Giuseppe Verdi hat zwischen Ende der 1830er Jahre und dem Ende des 19. Jahrhunderts mehr als zwanzig Opern komponiert. Sein Repertoire gehört nach wie vor zu den am häufigsten aufgeführten der Welt, von der Scala in Mailand bis zu den Pariser Bühnen. Die letzten lyrischen Saisons zeigen jedoch eine deutliche Diversifizierung der Repertoires, mit einem Anstieg des Barock und zeitgenössischen Uraufführungen, die die relative Stellung von Verdi in den europäischen Programmierungen verändern.
Seine Meisterwerke heute zu analysieren, bedeutet, sie in diesen sich wandelnden Kontext zu setzen, in dem das Publikum bestimmte Werke neu entdeckt, während andere an Sichtbarkeit verlieren.
Verdi und die vokale Dramaturgie: was die Partitur vom Sänger verlangt
Während sich die meisten Analysen auf die Librettos oder die Biografie des Komponisten konzentrieren, bleibt die technische Frage der verdianischen Vokalschreibung wenig erforscht. Verdi hat seine Anforderungen an die Stimmen allmählich verändert, indem er von einem belcantistischen Modell, das von Donizetti stammt, zu einem Stil überging, der Kraft, Ausdauer und die Fähigkeit verlangt, den Text dramatisch zu färben.
In seinen frühen Opern bleiben die Gesangspartien relativ konventionell. Nabucco, trotz der Kraft seines Chors “Va pensiero”, fügt sich noch in eine Tradition ein, in der der Sänger auf vorhersehbare melodische Linien zurückgreifen kann. Bei der Untersuchung der Opern von Verdi durch sein Werk erkennt man den Unterschied zwischen dieser ersten Periode und den späten Partituren wie Otello, wo der Tenor eine körperlich anstrengende Rolle während der gesamten Aufführung halten muss.
Ab Rigoletto und La Traviata beginnt Verdi, Rollen zu schreiben, die die Arie nicht mehr von der dramatischen Handlung trennen. Der Bariton von Rigoletto singt nicht, um zu glänzen: seine Gesangslinie trägt das Drama. Die Stimme wird zu einem narrativen Werkzeug, nicht zu einem Ornament. Diese technische Entwicklung hat die Art und Weise, wie Opernhäuser die Rollen von Verdi verteilen, nachhaltig verändert.
Nabucco und der politische Chor: eine Lesart, die sich mit der Zeit verändert hat
Nabucco nimmt einen besonderen Platz im Repertoire ein. Der Chor der hebräischen Sklaven, “Va pensiero”, wurde als Symbol des italienischen Risorgimento, dieser nationalen Einheitsbewegung, die die Halbinsel Mitte des 19. Jahrhunderts bewegte, aufgegriffen. Die Verbindung zwischen Verdi und dem italienischen Nationalismus gehört zur kulturellen Mythologie des Landes.
Diese politische Lesart, obwohl sie in der Geschichte verwurzelt ist, verdeckt andere Dimensionen des Werkes. Nabucco behandelt vor allem den Konflikt zwischen absoluter Macht und kollektiven Glauben. Die Titelgestalt durchlebt einen Wahnsinn, der ihn seiner Autorität beraubt, ein Thema, das Verdi in seinen späteren Opern in anderer Form wieder aufgreifen wird. Musikalisch bleibt die Orchestrierung im Vergleich zu den Werken seiner Reifezeit bescheiden, aber die Handhabung der Chormassen kündigt bereits Aida an.
Die zeitgenössischen Inszenierungen tendieren dazu, die Aussage zu verschieben. Seit Anfang der 2020er Jahre integrieren mehrere europäische Produktionen kritische Neuinterpretationen, die die von den Librettos vermittelten Imaginationen hinterfragen, einschließlich der Fragen der kulturellen Repräsentation. Nabucco entkommt diesem Trend nicht, einige Regisseure wählen es, die Ambivalenz des Verhältnisses zur Alterität im Libretto von Solera zu betonen.
Rigoletto, La Traviata, Otello: drei Stufen der dramatischen Schrift
Diese drei Titel zusammenzufassen, ermöglicht es, den Entwicklungspfad von Verdi über fast vierzig Jahre zu visualisieren. Jeder stellt eine distincte Stufe in seiner Art dar, Musik und Theater zu verbinden.
- Rigoletto markiert den Bruch mit der Struktur aus getrennten “Nummern”. Die Szenen folgen aufeinander, das Quartett des letzten Aktes überlagert vier widersprüchliche Emotionen in einem einzigen Stück. Verdi erfindet hier eine Form der dramatischen Polyphonie, die es in der italienischen Oper zuvor nicht gab.
- La Traviata überträgt ein zeitgenössisches Thema (die Pariser Kurtisane) auf die lyrische Bühne, was bei ihrer Uraufführung in Venedig einen Skandal auslöste. Die Schreibweise der Rolle von Violetta verlangt eine Sopranistin, die in der Lage ist, vom vokalen Glanz des ersten Aktes zur fast kammermusikalischen Innerlichkeit des letzten überzugehen, ein Kontrast, den nur wenige Opern von einer einzigen Interpretin verlangen.
- Otello, uraufgeführt an der Scala in Mailand, treibt die Verschmelzung von Orchester und Stimme auf ein Niveau, das nur Wagner auf seine Weise erkundete. Das Monolog von Iago im zweiten Akt, das “Credo”, ist keine traditionelle Arie, sondern ein kontinuierlicher Fluss, in dem das Orchester den gesungenen Text kommentiert und widerspricht.
Diese drei Werke werfen auch die Frage der Treue zu den literarischen Quellen auf. Verdi und seine Librettisten (Piave für Rigoletto und La Traviata, Boito für Otello) haben systematisch die Originalstücke von Victor Hugo, Alexandre Dumas fils und Shakespeare kondensiert und verändert. Die Schnittentscheidungen offenbaren die Prioritäten des Komponisten: die Handlung zu straffen, Nebenfiguren zu eliminieren und das Drama auf zwei oder drei Figuren zu konzentrieren.
Der Fall Boito: eine späte Zusammenarbeit, die das Libretto neu definiert
Arrigo Boito, selbst Komponist, brachte Verdi ein neues Niveau literarischer Ansprüche. Für Otello und dann Falstaff ist das Libretto nicht mehr ein Vorwand für die Musik, sondern ein dichter Text, der syllabe für syllabe bearbeitet wird. Boito drängte Verdi, die Konventionen der großen Oper aufzugeben zugunsten einer strafferen und moderneren Schreibweise. Falstaff, Verdis letzte Oper, ist eine Komödie mit einer rhythmischen Lebhaftigkeit, die auch heute noch überrascht durch ihren Verzicht auf klassische Arien.
Programmierung und Rezeption: Wo steht Verdi auf den europäischen Bühnen
La Traviata und Rigoletto gehören nach wie vor zu den am häufigsten aufgeführten Titeln in Festivals und lyrischen Saisons in Europa. Paris, Venedig, Neapel, Mailand: Diese Städte programmieren regelmäßig Verdi, oft zur Saisoneröffnung oder für große öffentliche Veranstaltungen.
Im Gegensatz dazu tendiert der Gesamtanteil von Verdi in den Programmierungen dazu, sich im Vergleich zum Jahrzehnt 2000-2010 leicht zu verringern. Der Anstieg zeitgenössischer Uraufführungen und die Rückkehr des barocken Repertoires nehmen zunehmend Raum ein. Verdi bleibt zentral, ist aber nicht mehr hegemonial in den allgemeinen Saisons. Einige Festivals entscheiden sich nun, nur einen einzigen verdianischen Titel pro Jahr zu programmieren, wo sie zuvor zwei oder drei angeboten haben.
Die neuen Produktionen werfen auch Fragen zur Inszenierung auf. Aida wird Gegenstand dekolonialer Neuinterpretationen, die die Darstellungen des alten Ägypten und Äthiopiens im Libretto hinterfragen. Otello löst ähnliche Debatten über die rassistische Darstellung der Hauptfigur aus. Diese Diskussionen stellen die Musik von Verdi nicht in Frage, verändern jedoch die Art und Weise, wie das Publikum diese Werke empfängt.
Die Stellung von Verdi im aktuellen lyrischen Landschaft hängt sowohl von der intrinsischen Qualität seiner Partituren als auch von der Fähigkeit der Opernhäuser ab, diese zu erneuern. Ein Rigoletto, der ohne Risiko inszeniert wird, füllt immer noch die Säle, aber es sind die Produktionen, die das dramatische Material hinterfragen, in denen das verdianische Repertoire seine Relevanz für ein Publikum findet, das sich nicht mehr mit der Tradition zufriedengibt.